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原画概念设计教程——老司机带你画兽人
设计思路:在拿笔之前,我会先在脑海里明确下自己要画的东西,我准备画一个强大的兽人,偏战士,他很威猛,每次作战都在最前线,有着刚强结实的肌肉手持巨斧,他很自傲,眼里充满着不屑,但战争侵占了他的家园,他的眼里只有仇恨。以上内容必须脑洞大开啊!脑洞够大是原画师必备的基本素质之一,骚年们表担心,坐好了!老司机带你上路!图1起稿,线条起稿结合剪影,之后叠加上色,在构图上我用的是拜占庭式(十字构图)构图,这样出来的兽人给人感觉庄重威猛,地平线的位置是画面上方六分之一处,这样的好处是能加强景深,拉开空间,参照的是摄影上的一些构图理论六分法。为了凸显他的愤怒,让他的眼睛处于暗面,准备用光来切割形体。这样人物形体比较立体,其实起稿阶段可以多尝试一些构图,像这种卡牌是的图片构图一定要满,也算是一点心得吧,注意用最快的速度去表示就可以,不用太细,而且要放小图去观察,看是否合理,反复推敲。(PS:起稿阶段需要注意的是一定要很放松,放得开去画,方式没有什么限定,可以画剪影,也可以画线稿,总之把自己想表达的东西用最快的速度表达出来。)图2接着铺一下底色运用黑白灰的关系,线稿可以调成正片叠底,这样下层铺大色时就不会影响线稿,当然大致的光感也可以表达出来,这样对以后继续深入有一定的向导作用。图3基本上就是人物作实,该深入的深入,该亮的亮,该暗的暗,注意这里的暗不能是黑色,可以是接近黑色的灰色,因为纯黑色的话对接下来的叠色是叠不上去的图4基本就是运用图层属性去叠加上色,我一般情况上色会用到柔光,和叠加,说一说不同点吧,叠加叠出来的颜色相对柔光会发爆,对比度很强,我的建议是用柔光去叠色,选个软一点的笔刷去叠,注意要大笔去涂,不要琐碎,否则很给人感觉很碎。图5图6接下来开始微调背景,这点需要注意的是我是先上色旗子颜色,然后再调的整体,这个不是随意,因为旗子本身是在场景里的,所以会有环境色在上面,用柔笔刷柔光上背景的话,会扫到旗子的边缘,旗子自然就融进了背景。图7注意我加了一个底光,有两点含义,一是环境的需要,大家可以看到我后面的底纹是类似于火山地表,所以自然会出现火光,其次是为了突出形体,分清层次。图8接下来用选区工具把层次分的更清晰,同时背景的光晕也通透过来,主要是为了让后面的柔光和兽人身上的光形成对比。图9面部表情做了一点更改,红色眼睛更能体现角色的愤怒,注意一下手臂上的光,之前有点过于跳了,我用笔压暗了手上的光,这样斧子的尖头能够突出来。还有从构图上来说右上角的部分有点空,于是换成斧子,这样整个构图的平衡感会更强图10加强了光照的对比,和一些毛发的细节刻画,还有前景的旗帜运用了动感模糊,对画面能起到烘托作用。用选区工具去调整结构关系很好用,强烈推荐。图11我叠加了一些材质,包括金属和皮肤,金属的质感一般用的是叠加,因为金属的反光很强,他不会像布或者皮一样是漫反射。皮肤一般用柔光,其实PS有好多种叠加模式,大家都可以去尝试,效果一般用过才知道。图12材质叠加之后,会继续刻画,包括一些毛发,和手的皮质以及肌肉的一些细节部分,注意材质叠加之后一定要去刻画,要不感觉会很假,而且要注意区分质感和材质的不同。图13这里主要加的是一些特效,比如火星之类的,微弱的颗粒物会让你的作品有不同的反响,还有一点是后面的旗子有点跳,根据空气透视,适当加灰。大致就到这里,谢谢。
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游戏原画动漫人物鞋子绘画教程
游戏原画动漫人物鞋子绘画教程,推荐还是去轻微课看一下,轻微课是最专业的绘画学习平台,有很多此类的学习资源与课程,搜索:轻微课官网或者下载轻微课APP,即可学习。次绘画发现如果没有画的和图片一样请不要气馁.也可以搜一下鞋子的图片仔细分析一下,学会画一样东西最好要先了解这个物品.先观察一下鞋子的结构,在穿鞋或走路的过程中多注意一下鞋子的运动.
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ps上色教程 ps原画上色教程
玫瑰花瓣在中药中被称为“君子药”。其性温和、香气甜润,具有排毒养颜、行气活血、开窍化淤、疏肝醒脾、促进胆汁分泌,帮助消化、调节机理之功效。玫瑰花瓣素描素描玫瑰花瓣的完成稿作品素描玫瑰花瓣的绘画步骤教程:1、用简略的线条勾勒出玫瑰花瓣的基本轮廓,注意花瓣的形状。素描玫瑰花轮廓素描玫瑰花瓣的绘画步骤一2、用软一点的铅笔给玫瑰花瓣铺上一层色调,画出玫瑰花瓣的大体明暗关系。素描玫瑰花瓣明暗关系素描玫瑰花瓣的绘画步骤二3、在画完明暗的基础上刻画出玫瑰花瓣的纹理,线条方向由根部向四周扩散。素描玫瑰花瓣纹理素描玫瑰花瓣的绘画步骤三4、继续加深玫瑰花瓣的纹理,突出花瓣茎部纹理,体现花瓣的厚度。素描玫瑰花瓣质感素描玫瑰花瓣的绘画步骤四5、最后整体调整黑、白、灰关系,加深阴影,突出主体。这样,简单的玫瑰花瓣就完成了。素描玫瑰花瓣
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游戏原画动漫绘画上色教程
丰富多样的颜色可以分成两个大类无彩色系和有彩色系,有彩色系的颜色具有三个基本特性:色相、纯度(也称彩度、饱和度)、明度。在色彩学上也称为色彩的三大要素或色彩的三属性。饱和度为0的颜色为无彩色系。色相色相是有彩色的最大特征。所谓色相是指能够比较确切地表示某种颜色色别的名称。如玫瑰红、桔黄、柠檬黄、钴蓝、群青、翠绿……从光学物理上讲,各种色相是由射入人眼的光线的光谱成分决定的。对于单色光来说,色相的面貌完全取决于该光线的波长;对于混合色光来说,则取决于各种波长光线的相对量。物体的颜色是由光源的光谱成分和物体表面反射(或透射)的特性决定的。纯度色彩的纯度是指色彩的纯净程度,它表示颜色中所含有色成分的比例。含有色彩成分的比例愈大,则色彩的纯度愈高,含有色成分的比例愈小,则色彩的纯度也愈低。可见光谱的各种单色光是最纯的颜色,为极限纯度。当一种颜色参入黑、白或其他彩色时,纯度就产生变化。当参入的色达到很大的比例时,在眼睛看来,原来的颜色将失去本来的光彩,而变成掺和的颜色了。当然这并不等于说在这种被掺和的颜色里已经不存在原来的色素,而是由于大量的参入其他彩色而使得原来的色素被同化,人的眼睛已经无法感觉出来了。有色物体色彩的纯度与物体的表面结构有关。如果物体表面粗糙,其漫反射作用将使色彩的纯度降低;如果物体表面光滑,那么,全反射作用将使色彩比较鲜艳。明度明度是指色彩的明亮程度。各种有色物体由于它们的反射光量的区别而产生颜色的明暗强弱。色彩的明度有两种情况:一是同一色相不同明度。如同一颜色在强光照射下显得明亮,弱光照射下显得较灰暗模糊;同一颜色加黑或加白掺和以后也能产生各种不同的明暗层次。二是各种颜色的不同明度。每一种纯色都有与其相应的明度。黄色明度最高,蓝紫色明度最低,红、绿色为中间明度。色彩的明度变化往往会影响到纯度,如红色加入黑色以后明度降低了,同时纯度也降低了;如果红色加白则明度提高了,纯度却降低了。有彩色的色相、纯度和明度三特征是不可分割的,应用时必须同时考虑这三个因素。
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游戏原画动漫人物1000种人体造型教程
素描是很理性的,素描的过程是脑、眼与手高度结合的人的活动。大脑是总指挥,充实的理性显得尤为重要;眼睛偏感性,生动、鲜活,但常常出现片面与误差;手只是实现脑眼商量的结果的工具,只要听话就行了,属于技术类(当然还有其它工具)。所以大脑要不断地学习与思考,只有思考才会有创新,会思考是人区别于动物的最大特征。首先,要学美术史,了解美术的发展过程,了解诸大师独特的成长过程、艺术理念、风格区别及技巧表达,经过不断评判思考后才能给自己正确地定位,促使自己更好地发展,从而避免茫然失措和重复浪费;学习素描就不能不学习达·芬奇、米开朗基罗、拉斐尔、丢勒、鲁本斯、康伯夫,仅仅知道契斯恰科夫是不够的。解剖学、透视学诞生给素描注入了更多的科学理性因素,而解剖学、透视学这两门学科就需要花时间精力去学习与掌握。比如:表现一个人,仅仅了解表面的轮廓起伏而不知道其下的骨骼构造、肌肉走向作用及视觉上的透视变形是不行的;每画一条线、一个起伏都要能体现解剖学和透视学知识,这些内在知识能使素描作品更深刻、更完整。构图知识使素描作品更趋于完美和个性化,更有画面感、更有艺术性。对结构、特征、比例、形体、朝向、节奏、对比、点、线、面等要素的熟练运用与驾驭,无疑对素描的充分表达起到深度与广度的关键作用,几何概念的把握与深入塑造技能又起到画面的宏观与微观的调控作用。
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游戏原画动漫人物人体绘画教程
说在前头,无论是什么腿,想画得又美又准确,光看教程和例图是完全不够的,那需要大量的写生或者画照片,掌握精髓才行。不过,如果只是想画日系风格的插画,或者在漫画里面粗略表达一下腿部,我觉得学下面的也就够了。先自己去观察骨骼肌肉的位置关系、比例关系等等你自己能观察到的所有东西,错了也没关系,越是错的地方在稍后第二步翻书的时候印象越深。【上下左右前后内外各个角度都要画】这一步非常重要,只会画一个角度不算是理解了结构
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原画初学者色彩基础教程
色彩的基础知识:彩即各种物体在自然光或人工光下吸收和反射光量的程度不同而显现出各种各样的颜色。色彩产生的三大要素——光源物体人。物体分为物体色和固有色物体色彩会随着外界因素变化而变化它在不同环境中呈现不同的色彩状态因而它是不确定的。固有色指物体在正常的白色日光下所呈现的色彩特征固有色比较稳定。白光通过三棱镜分解成七种颜色的现象叫做色散。人眼对红绿蓝最为敏感大多数色光都可以通过红绿蓝三色按照不同的比例进行合成。光学三原色为红绿蓝将它们混合可以得到白色光电脑显示屏上的色彩均是由光学三原色组成。色彩三原色分别为青蓝洋红黄将它们混合就会得到黑色。色彩的基本要素一:色彩的属性色相(Hue)色彩的相貌例如我们所说的赤橙黄绿青蓝紫。明度(Value)色彩的明暗程度纯度(Chroma)也叫彩度指色彩的鲜艳程度也就是色彩的饱和度。纯度是衡量一种颜色中黑或白成分多少的概念。颜色混合次数越多纯度越低。推荐初学者到轻微课学基础:https://www.qingwk.com(性价比超高的在线绘画学习平台,课程低至19元,每套课程都有专门的辅导老师,购买课程后享受终生授课老师辅导服务。)二常见的色彩类型1原色红黄蓝2间色两种原色的等量混合如橙色系=黄➕蓝绿色系=黄➕蓝紫色系=蓝➕红3复色在间色的基础上产生如橙➕绿=橙绿橙➕紫=橙紫绿➕紫=绿紫1无彩色黑白灰。2有彩色具有色相纯度明度三个基本属性的颜色。3中性色黑白灰金银。1同类色位于二十四色相环中15°以内的色相。2临近色二十四色相环中色相间隔在15°~45°左右的称为临近色相。3类似色二十四色相环中间隔30°~60°左右的色相为类似色。4中差色在二十四色相环上间隔90°左右的色相为中差色。5对比色在二十四色相环上间隔130°左右的色相。6互补色在二十四色相环上间隔180°左右的色相环。色彩的本质与色彩感知原理光是一种电磁波具有波长与振幅两个因素不同长短的波长产生色相差别不同振幅强弱产生同一色相的明暗差别。色温分为冷光和暖光即偏红或偏蓝。视网膜上存在光敏细胞分为杆状细胞和椎状细胞杆状细胞对入射光的强度敏感椎状细胞对亮度的灵敏度不高但能分辨颜色。色立体与表色系色立体:是依据色彩的色相明度纯度变化关系借助三维空间用旋围直角坐标的方法组成一个类似球体的立体模型。参考文献《色彩设计——色彩构成的原理与设计》
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浅析超现实主义的“达·芬奇”:马克斯·恩斯特《内部视图》
马克斯·恩斯特《内部视图》布面油画,100×81cm,1929年马克斯·恩斯特(MaxErnst,1891-1976),德国画家、雕塑家。恩斯特早期的作品多为绘画,他在1925年发明了拓印法,即用画纸或画布在带有各种纹样的物体上按压磨擦,拓印出效果怪异多变的作品。1934年,他创作了第一个雕塑作品《俄狄浦斯》,从此开始了长达40年的雕塑艺术生涯。马克斯·恩斯特被誉为超现实主义的“达·芬奇”,他在达达运动和超现实主义艺术中,均居于主导地位。他的《内部视图》,这件看起来有点怪异的作品创作于1929年,那恰是超现实主义自马克斯·恩斯特《内部视图》布面油画,100×81cm,1929年马克斯·恩斯特(MaxErnst,1891-1976),德国画家、雕塑家。恩斯特早期的作品多为绘画,他在1925年发明了拓印法,即用画纸或画布在带有各种纹样的物体上按压磨擦,拓印出效果怪异多变的作品。1934年,他创作了第一个雕塑作品《俄狄浦斯》,从此开始了长达40年的雕塑艺术生涯。马克斯·恩斯特被誉为超现实主义的“达·芬奇”,他在达达运动和超现实主义艺术中,均居于主导地位。他的《内部视图》,这件看起来有点怪异的作品创作于1929年,那恰是超现实主义自1924年正式诞生以来的第一个动荡期,早期加入的成员们大多因各种原因或被开除、或自愿退出,纷纷离开了这个组织,只有寥寥可数的四五个坚守者留了下来,恩斯特正是其中之一。事实上,恩斯特不仅是巴黎超现实主义核心圈子的早期成员之一(尽管对于巴黎而言,恩斯特只是一名“外来者”),更是超现实主义自始至终的忠实拥护者。而20世纪20年代末的这段时间,也是恩斯特个人创作的一个转型期,其作品风格正在脱离基里科式的失真的、矛盾的幻觉空间,专注于对绘画表面肌理的探索。马克斯·恩斯特《鸟类纪念碑》布面油画,162.5×130cm,1927年在这件作品中,画家想象出了一颗禽类蛋内部的样子——椭圆形的边框暗示出“蛋”的轮廓,内部的不规则图形则有几处可以明显地辨认出“鸟”的特征,这些鸟的形象其实有些像其作于1927年一件名为《鸟类纪念碑》的作品中鸟的变体。而在此,我们仿佛正在透过透明的壳查看一颗完整鸟蛋内部,这些形象看起来像是不知数的多个物象交织缠绕在一起,其中有个别地方更像是蛇或者别的什么身体细长的动物,它们夸张的扭曲变形让人无论如何不会将其与自然界中的任何动物混淆。这种层叠的组合方式,线条的相互交错,甚至让人分不清头尾,无法将其中的任何一个形象单独提取出来。除了鸟的形象外,也出现了几个看起来像蛋的圆或椭圆形。这种蛋中有鸟又仿佛携着蛋的形式使人不禁想起先有鸡还是先有蛋的悖论,或许这个悖论原本就与这件作品不是毫不相干的:它很可能也是一个引导观者超脱于日常经验和逻辑的节点——这正是大多数超现实主义者进行创作时所遵循的一大信条,也是超现实主义式的“神秘主义”的一大表现形式。“蛋”是恩斯特非常钟情的形象,几乎贯穿他的创作生涯始终,他还曾在《自传》中说自己是从一个蛋壳中出生的;“鸟”则是这一时期恩斯特在艺术创作中时常会用到的对象,他创造出一种非常像鸟的怪兽形象,命名为“罗普罗普”(Loplop)。对于“罗普罗普”这种人造物,超现实主义的领军者安德烈·布勒东在当时就评论为“一个除了性欲外一无所有的梦境”,这是一句引用自弗洛伊德的话,也是大多数超现实主义者都不会否认的作品意涵。恩斯特曾这样谈论自己的作品:(多重图像)都具有人们在似睡非睡时所看到的景象的那种持续而迅速的特征,这些图像召唤新的层面到新的未知世界(不适合的平面)去聚会。马克斯·恩斯特《内部视图系列》1929年《内部视图》并不是一件孤立的作品,至少还有另外两幅创作于同一年的,尺寸比之稍小的作品与其高度相似。同样的创作风格,用色轻快、浅淡,构图上都是在椭圆形的蛋内堆叠着一些似鸟但又不非常明确的形象,其中一幅的左下角一个尖状物突破了蛋的轮廓,似乎预示着破壳而出的强大生命力,展现着新的生机。而在另外一幅中,艺术家还在蛋壳四周的“空白处”画上了如同画框装饰纹样般的巴洛克式装饰物,与另外两幅的单色背景相比,这样的处理方式更加突出了绘画的平面性,使之成为观看这件作品时不可忽视的一部分。通过作品而使个人对自然物的知觉升华一直是在超现实主义者那里非常普遍的现象,但恩斯特的处理方式比其他大多数人更具创造性和想象力。他在作品中创造了一种感官参与的新方式:它要求观者不仅注意到作品中所表现的意象,同时也关注到其作为自在之物的那个绘画平面。众所周知,恩斯特以其“拼贴画”而成为那个时代众多先锋派艺术家中的佼佼者,其作品常常呈现出多种不同材质、不同意象的古怪混杂,使观者因日常思维逻辑的失效而不知所措。但恩斯特笔下的这种杂糅又不是不加克制的肆意妄为,他创造出一套非常具有个人特色的精妙的拼贴语法,千方百计地隐藏拼贴的痕迹,使各个元素之间相互交融,具有高度的内在一致性。因此,恩斯特画中的元素大都处于含混不定的状态,它们原初的意义和功能被尽可能地减弱或消解。
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线条的魅力
在视觉形态中,线是界定形状的最主要最基本的元素。没有线的意识,形状的特征、大小无法清晰地肯定和识别。任何设计都需要用线条来把握形象的比例关系。所以人的视知觉识别物象首先感知确定物象姓张的内外轮廓线,没有轮廓线的概念,任何物象都不可能被认识,线是人类对事物认知的本能特点。线是人类最为古老的造型语言,因为线的便利性和直接性,用线条来表达自然界的事物是最早的一种普遍特征。在自然界中,形形色色景物的轮廓,用线条的粗细不同概括山的高低起伏;在生活中,各种体型人的体廓,用线条的坚硬和柔软来区别了不同体格的人。在艺术设计界,我们善用线条作为音乐的五线谱,用时缓时急的线条来提炼了音调的高低。不管是音乐也好,轮廓也好,终究带给我们的就是线条所表现的情感。在艺术设计作品中,长短不一的线条排列起来和粗细不同的线条的对比时缓时急,线条的对立和曲直线条的对抗等都表现出了设计师情感的变化。曲线与直线在视觉中认为最美的线条是介于两者之间的,既不是膨胀弯曲的太过分,不是平直的令人产生一种呆板生硬的感觉。在想使一幅构图取得某种稳而静的一系列方法之中,最危险的一种是把块状的地方和物体的轮廓线弄成圆形,即用柔和的曲线去代替方形的强有力的形态。在设计中,生硬和棱角虽然不是悦目的,不过这种现状具有一定刚毅的力量和生气。推荐阅读:设计构图技巧!点、线、面的妙用垂直线与倾斜线①垂直的线条在一幅画面中是非常重要的,它与人类喜欢稳定与均衡的天性有关。②水平线条在设计中具有许多垂直线条的基本性质,不过,在力度上较弱一些。③倾斜线条主要是表示动态,具有较强的运动感。当倾斜线条是单独存在而没有支持物支持时,它与垂直线条或水平线条不一样,它会破坏画面稳定的感觉,而给人带来了下坠的感觉。在大部分构图中,各种物体的排列,并不是一个简单的排列。通过物体不同方向的线条组成的,这样便形成了某种动态趋势,以此产生画面动感。交叉线①结构线条:在构图中用作实际的结构;②连续线条:用来连接构图中主要线条相反,相交叉或相对立的线条;③对立线条:与构图中的主要线条相反,交叉或是相对立的线条;④过渡线条:在主要线条之间或主要线条与画框之间起连接作用的线条,这种线条能产生连续作用。线条的情感表现在一幅作品中,用肯定的线条来界定形体和色彩,以强化形体的特征和色彩的鲜明度来拉大画面主题内容和旁边景色的对比。线条的用来提炼色彩和概括形体的,在界定色彩的边界线时,是色彩与色彩之间区分的一种枢纽,也是区分主体和衬托物的,这样使的画面的色彩更为强烈;线条作为形体轮廓线时,把形体概括的越来越清晰,在形体越来越清晰的情况下,画面的色彩则就表现得越强烈,画面给人的冲击力与艺术家的情感就越大,就可以引起观众与设计师在感受中产生共鸣。没有呈现具体的线条,但利用鲜明的色块边界关系反映出一种“线意识”的存在。一般来说,线条的出现在画面上,都是因为形式、构成、形体的勾勒之类的,但是也有很多艺术家为了表达自己的主观思想,而在画面上或多或少增加了线条的存在;除此之外,另外一部分的线条的存在,是因为为了勾勒形体的存在,而故意去增加一些线条。这些线条都是属于艺术加强加上去的线条,是浓厚的艺术情感的。线条的重要性是不言而喻的,线条作为画面重要组成部分,直接关系到一幅作品能否充分体现出情感与意味,起到了支柱与桥梁的作用,线条表现情感,并不是通过对客观准确精细的塑造来表现的,而是通过线条自身的单纯性和自发来流利地直接向观众的心灵讲话。推荐阅读:详解点、线、面!在设计中的运用线条的明晰感、方向感、运动感、力度感、软硬感、节奏感都给予了人们以丰富的联想。线条本身所具有的这些特质,使其在一切视觉形式语言的元素中,最具有情感表现的可能性,最能寻找到与情感相对应的符号图式和语言形式。-end-
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游戏原画设计是什么
原画设计主要包括风格、气氛、主要角色和场景的设定等等。制作类原画设计则更为具体,包括游戏中所有道具、角色、怪物、场景以及游戏界面等内容的设计摘要:原画设计主要包括风格、气氛、主要角色和场景的设定等等。制作类原画设计则更为具体,包括游戏中所有道具、角色、怪物、场景以及游戏界面等内容的设计游戏原画是游戏制作前期的一个重要环节,原画师根据策划的文案,设计出整部游戏的美术方案,包括概念类原画设计和制作类原画设计两种,为后期的游戏美术(模型、特效等)制作提供标准和依据。原画师是cg行业里一个非常热门的岗位,这几年受到追捧,未来5-10年仍然有很大的发展空间。游戏原画是游戏制作前期的一个重要环节,原画师根据策划的文案,设计出整部游戏的美术方案,包括概念类原画设计和制作类原画设计两种,为后期的游戏美术(模型、特效等)制作提供标准和依据。原画设计概念类原画设计主要包括风格、气氛、主要角色和场景的设定等等。制作类原画设计则更为具体,包括游戏中所有道具、角色、怪物、场景以及游戏界面等内容的设计。原画是为游戏研发服务的,要保持游戏整体的统一性,保证模型师及其他美术环节的制作。工作要求在游戏公司中负责游戏世界里一切角色、场景、道具造型设计。在工作中,需要根据游戏策划提出的要求,创造出合适的角色或物体,并绘制出专业的设计稿提供给3d美术部门。除此之外,游戏原画美术人员也经常会负责一些游戏界面设计、游戏宣传插画绘制、材质绘制等工作。设计步骤要先在头脑中整理出一个轮廓,要了解影片的风格,掌握理解导演的意图,熟练把握片中造型。动画片的制作是一个由众多艺术人员参与的过程,它所达到的是一种共性。每一位创作者都必须将自己的个性融于影片所追求的共性之中,达到高度的统一。确定原画风格即动作特点泛泛地讲,迪斯尼的原画观念要淡一些日本动画片较注重原画,国产片动画片近期大部分风格介于二者之间且较为偏向于日式,进行原画设计也要看其风格而定,如果注重运动过程,设计动作时侧重其流畅性,原画、动画不要分得太明确,动作的流畅、连贯是第一位的,如果是注重对话、情节,那么就将原画的观念加强一些,并不是说原画张数要画很多,而是要将每一张原画设计得相当准确、到位,尤其是在它定格和亮相时,要特别注意细心刻画。在动画片创作与生产中,对角色的动作、姿态、幅度、节奏、距离、路线、变化进行分析、归纳与综合,找出动作的起止及转折时的关键动态,并将这些关键动态绘制成具有表现力和感染力的动作设计图,便称之为原画。原画设计的主要任务是按照剧本的情境设定并配合导演的要求,设计出角色的动作,包括对角色动作的设计、分析与绘制。